paperCでは、これまで展示やイベントのレビューを発信してきた。今後、アートブックやフライヤー、ポスターなどの「デザイン」に関しても、さまざまな視点で言語化していきたい。初回となる本レビューでは、関西で活動するデザイナー・仲村健太郎が、同じく関西で活動するデザイナーの制作物、特に「アートブック」へと目を向け、デザインやデザイナーが担う役割、その面白みをテキストにした。

もしもあなたがこのテキストを見ているときに、身の回りに本があったら、1冊手に取ってみてほしい。その本の内容に興味があり手に入れた本だとは思うが、今は内容とはちょっと別の角度からその本を眺めてみてほしいのだ。たとえば、表紙やカバーは、どんな紙を使っているだろうか。だれがデザインし、どんな印刷所で刷っているだろうか。印刷をした印刷所の名前はわかっても、その本を綴じたのはまた別の会社だ。紙も、またインクにもそれをつくる会社があり、人がいる。

ロンドンを拠点とするタイポグラファ・著述家のロビン・キンロスは、近代に印刷が担った役割について、このように書いている。

知識を広める最重要手段としての印刷は、近代世界の発展の基礎になっている。印刷は中世的な考え方から近代的な考え方への移行を可能にし、またそれ自身に大量生産と標準化、専門化と分業という近代の諸特徴を内包しているのだ。
引用：ロビン・キンロス 著、山本太郎 訳『モダン・タイポグラフィ　批判的タイポグラフィ史試論』グラフィック社（2020年）p.14

中世の手書きの写本から、近代の大量生産・標準化された印刷技術へと変化したことによって、印刷は縦割り的枠組みのなかで分業化し、また同時に専門化も迫られることになる。わたしたちは目の前の本がどこで刷られているのかはわかっても、どこで綴じられているのか、どんな紙やインクを使ったのかまでは知ることができない。こうした近代の分業・分割的な考え方について、建築家の門脇耕三は「近代化は、われわれが生きる世界を、数限りない部品へと分解する動きでもあった」と指摘する

都市を単一的な機能に特化したいくつかの部分にいったん分割し、それらを再度連携させることによって、あたかも都市全体をひとつの大きなシステムのように高効率で稼働させる——このような考え方は、都市以外にも、われわれの周囲にある「近代的なるもの」にあまねく観察することができる。
引用：門脇耕三『「シェア」の思想／または愛と制度と空間の関係』LIXIL出版（2015年）p.11

芝野は現在、大阪の印刷会社ライブアートブックスに籍を置きながら、デザイナー・印刷設計者として活動している。前職は、版画工房と現代美術ギャラリー、デザインスタジオを有する大阪のノマルで、デザインを通した作品や作家への向き合い方や、シルクスクリーンによる物質としての印刷を追求したという。印刷業界は今も縦割り的枠組みの名残が強い業界だが、「なぜ印刷会社に入ったのか？」と聞くと「会社の細かなプロセスを見渡している人がいない体制に横に串を刺したかった。また、むしろそうしたクローズドな業界のネットワークに飛び込むことでそのネットワークを利用したいと考えて」と答えてくれた。

芝野が手がけるアートブックをよく見てみよう。たとえば「本の外側、どのように綴じられているか？」にまずは着目してみたい。

一見すると白い紙の束に見えるが、手を触れると経本のように一続きになっている。伸ばすと全長9.45mだという。作品である言葉や写真は、ページの枠の中に都合よく収まっていない。綴じられた本のようにページ幅の都合に合わせて折り返したりせずに、それぞれの作品の持つベクトルが優先されている。本の形から先に決まるのではなく、作品から本の構造が導き出されていることがわかる。

ふたつの展覧会のカタログだが、これらは2冊組ではない。表紙が上から見てZの字に折られ、その凹んだ箇所で2冊の本が綴じられている。2冊組と何が違うのだろうか？　手に取り、実際に読んでみるとひとつを読み終えた後、またもうひとつのカタログにたどり着くような流れで本を見ることになる。2冊組と異なり、読者は分断されずにふたつの展覧会を本のなかで行き来することになる。紙という平面にも思える媒体だが、こうした空間的な構成が、製本によってつくり出されているのだ。

その時の本は「プラータナー：憑依のポートレート」の公式ガイドで、彼は作品のクリエイションにセノグラフィーアシスタントと映像で参加していた。作品の構成上、舞台には俳優だけではなくスタッフも立ち、動き回りながら物語が展開した。通常であれば客席から舞台を俯瞰して位置関係などを含むように撮影するのが従来の演劇の記録写真だが、この作品では舞台の上に立って撮影されている。観劇しているときには立つことができない視点から作品が視覚的にアーカイブされているわけだが、クリエイションの1スタッフとして、フォトグラファーとして、あるいは物語に介入する当事者として、シャッターが切られている。

彼らがつくる、記号的ではない、一見するとわかりにくい本や写真は何を私たちに伝えてくれるのだろうか？

そこには、作品やアーティストの視点のほかに、その作品の最初の読み手としての彼らの視点が写真やデザインに潜んでいる。そして彼らが散りばめた視点は記号にならずに仄めかされることで読者を拍子抜けさせ、作品を新しくとらえ直させ、その読者だけの発見に導いてくれる。

読むという活動は、ことば無き沈黙の生産にそなわるありとあらゆる特徴をしめしている。その時ひとは、ページをよぎって漂流し、旅をする目はおもむくままにテクストを変貌させ、ふとしたことばに誘われては、はたとある意味を思いうかべたり、なにか別の意味があるのではと思ってみたり、書かれた空間をところどころまたぎ越えては、つかの間の舞踏をおどる。
引用：ミシェル・ド・セルトー 著、山田登世子 訳『日常的実践のポイエティーク』ちくま学芸文庫（2021年）p.37

標準化する線を引かないことで、彼らが生み出す本やチラシは、その解釈や読み解きの扉を外の世界に向けて静かに開いている。世界を分類しないグラフィックデザインなのだ。